Rompan esta

Si no les gustó Rompan todo, el documental sobre el Rock en América Latina de Gustavo Santaolalla, aquí les dejo mi personal, incompleta y sesgada lista: 100 rolas que cuentan el Rock en español como yo lo recuerdo:

La mejor banda de rock de la historia

En las decenas de miles de años que ha existido la vida en este planeta, que suerte tenemos de haber vivido en un tiempo en el que podíamos debatir quién era mejor: Led Zeppelin o The Beatles....

 

El oro de los Beatles

EL ORO DE LOS BEATLES

Por Antonio Muñoz Molina

María Kodama ha contado que durante uno de los viajes transoceánicos que hizo con Borges iba distrayendo el tedio de las horas en avión con un walkman en el que sonaban canciones de los Beatles, y que Borges, sintiendo curiosidad por aquella música que para él debía de ser más exótica que las sagas islandesas, le pidió que le prestara los auriculares, y permaneció un rato moviendo la cabeza como si asintiera, escuchando por primera y seguramente por última vez en su vida “She loves you” y “Help!” y “Love me “do y “A hard day’s night”, primero con la expresión de estupor con que un hombre del siglo XIX que viajara en la máquina del tiempo de Wells escucharía la música de finales del siglo XX, y luego con un aire de creciente interés, de deferencia, de gradual aprobación. Cuando la cinta llegó al final y saltó el mecanismo del walkman Borges se quedó quieto, sin quitarse los auriculares todavía, sonriendo con aquella mirada de ciego que ve luces amarillas y sombras, y María Kodama le preguntó qué le había parecido aquella música. —Trivial, pero maravillosa —dijo Borges.

Es posible que nadie haya ofrecido una descripción más exacta y más breve. Las canciones de los Beatles son triviales porque la trivialidad es una de las materias primas de la música pop, tan definitiva como el ritmo y la melodía, del mismo modo que las imágenes publicitarias son siempre una materia prima de la pintura pop, que estaba siendo inventada más o menos por los mismos años en que los Beatles componían sus primeros éxitos. Una buena canción, la haya compuesto Cole Porter o Paul McCartney, ha de contener una parte de trivialidad y otra de maravilla, pues es preciso que capture la vibración inmediata del tiempo presente, el aturdimiento de los actos diarios, su pura fugacidad, y que a la vez tenga la virtud de resonar en la memoria, como si recién oída ya nos pareciera que la recordamos de muchos años atrás.

El tiempo perdido, al que tantos volúmenes de literatura suelen dedicarse, donde se encuentra atesorado en estado más puro no es en los libros, sino en la maravilla trivial de una canción o de un perfume, en los tres minutos que tarda Ella Fitzgerald en cantar “The man I love” y en las décimas de segundo que dura la percepción de una cierta colonia y que sin embargo pueden contener en el relámpago instantáneo de su brevedad meses o años enteros de la vida pasada.

Una canción nos gusta cuando nos procura un simulacro de nostalgia. En 1962, mientras los Beatles grababan “Love me do”, en las radios con tamaño y dignidad de muebles que nuestras madres cubrían con pañitos, a quien nosotros oíamos era a Pepe Marchena, a Joselito y a Manolo Escobar, de modo que no podemos saber cómo fue la novedad absoluta de aquellas canciones, qué impresión haría su limpio descaro, la maravilla cristalina de su trivialidad, su elogio abierto de la dicha, cómo sería oírlas no ya en la Inglaterra hortera y laborista de los primeros sesenta, sino en la España torva del franquismo. Como muchas personas de mi generación, yo empecé a aficionarme a los Beatles cuando ya estaban separados, así que mis arrebatos de modernidad me conducían al anacronismo, lo cual, si se para uno a pensarlo, es una paradoja muy española. Los Beatles, desde la primera vez que uno los oía, lo que le provocaban era nostalgia, y no sólo en canciones tan delicadamente tristes como “Yesterday” o “Eleanor Rigby”, sino también en las más joviales y enérgicas, que parecen celebrar siempre una felicidad de hace mucho tiempo. Es posible que al oír la cinta que le prestó María Kodama Borges pensara de las canciones de los Beatles lo mismo que había escrito de la lluvia: que sucede siempre en el pasado.

Los Beatles son ahora lo más moderno y lo más sepia, el número uno de las listas de venta de música pop y un yacimiento formidable de tiempo fósil y nostalgia que no parece que vaya a agotarse nunca, y que prodiga a sus administradores ríos de oro tan feraces como los yacimientos de coníferas fósiles y los magnates del petróleo. En Nueva York se celebra el trigésimo aniversario de la primera llegada de los Beatles a América, y los periódicos recogen devotamente los testimonios del chófer de la primera limousine a la que subieron y del barman que los atendió en el hotel Plaza. En Inglaterra se anuncia el descubrimiento de algunas inéditas con titulares de primera página, con una expectación de hallazgo arqueológico: dentro de poco el pasado se habrá vuelto porvenir acuciante, y podremos oír a los Beatles de 1960 cantando “Summertime” con una rabia y una. ingenuidad de adolescentes en sus voces, y adquirir así otro recuerdo falso, otra ocasión de nostalgia inventada que compartiremos sin apuro con quienes nacieron veinte años después que nosotros.

Ahora mismo, igual que hace 20 años, se especula sobre la vuelta de los Beatles, a pesar de que John Lennon lleve muerto más de una década, y se asegura que cada uno de los tres supervivientes puede cobrar 20 millones de libras por tocar de nuevo con los otros. Ha habido siempre como un sebastianismo de los Beatles, una leyenda de su posible regreso que se parece a la del rey don Sebastián y a la del rey Arturo, y también a la de Jim Morrison, de quien se dijo que su tumba en el Père Lachaise de París estaba vacía o tal vez ocupada por el cadáver de un impostor. Ahora, como en los cuatro o cinco años. fulgurantes en que grabaron y tocaron juntos algunas de las canciones más memorables de estos tiempos, el oro de los Beatles es un resplandor de melancolía y de mercadotecnia, una trepidación industrial de cadena de montaje y una dulzura triste de recuerdos que hubiéramos querido poseer. Quién sabe qué secretos estremecimientos de maravilla y de gozosa trivialidad provocaron en Borges esas canciones, en qué lugares de su memoria ya casi póstuma de anciano y de ciego resonaron de pronto como si hubiera pasado su vida entera escuchándolas.

***

Artículo publicado en Babelia en 16 de febrero de 1994.

Rockcraft

Un 20 de agosto de 1890 nació H.P. Lovecraft ( La H.P. es Howard Phillips, no de Hewlett Packard). Seguro lo conoces por su "Necronomicón" y seguro te sorprenderán las muchas referencias que de su obra hay en el rock. Aquí algunas:

 1) En la portada del disco de Iron maiden, "Live after death" hay una tumba que dice: "H.P. Lovecraft" y "That is not dead which can eternal lie/And with strange aeons even death may die", una rima de H.P.

2) Metallica tiene una canción llamada "The Call of Ktulu" en clara referencia al cuento de H.P. en su disco Ride the Lighting. 

3) Black Sabbath en su primer disco incluye la canción "Behind the Wall of Sleep" en referencia a la historia de H.P "Beyond the Wall of Sleep".

4) En la canción "You´re so dark" del álbum AM de los Arctic Monkeys se menciona a Lovecraft a propósito de la cultura "dark".

 5) Marillion en su canción "Grendel" hace referencia a "The Lurker at the Threshold", novela de Lovecraft en su disco Script for a jester´s tear.

¿Las quieres escuchar? aquí están:

Wheels of fire - Cream

Hablar de Cream no es cosa menor. Algunos rocanroleros conocedores los sitúan por encima de Led Zeppelin y de Black Sabbath en esta línea que acabaría por consolidar el hard rock y el metal.

Cream es otro de los súper grupos en los que alineó Eric Clapton (por si no lo han notado en este blog somos fans). Slow hand junto con Jack Bruce y Ginger Baker dieron vida a este su tercer álbum en 1968 (en total grabaron 4). Dos discos lo conformaban: el primero con 9 rolas inéditas de estudio y un segundo  con 4 interpretaciones en vivo.

Abre con White room, referente indiscutible de la banda y del rock clásico, seguida de Sitting on the top of the world, un blues con una guitarra como sólo puede ejercutarla Clapton. Tres rolas conforman la parte central del álbum: Passing The Time, As you Said y Pressed Rat And Warthog para explotar nuevamente con un blues desgarrador en Politicians. Del último tercio del disco destaca sin duda Born under a bad sign, donde los tres músicos alcanzan su mejor versión.

El segundo disco está lleno de jams de sus mejores presentaciones en vivo.

Pero basta de hablar. Mejor abramos las puertas del delirio y ¡Que suene Cream!


 

Blind Faith - Blind Faith

Tras la conflictiva separación de The Cream, Eric Clapton forma junto con Steve Winwood esta súper banda que duró 7 meses. Ellos dos, junto con Ginger Baker y Rick Grech graban en 1969 el que sería su único disco  con joyas como el delicioso blues  "Had to Cry Today", o el magnífico  "Can't Find My Way Home". Clapton aportaba un muy buen tema llamado "Presence of the Lord" y en  "Sea of Joy", Winwood recuerda sus viejos tiempos de Traffic. El disco termina con una sesión de improvisación de "Do What You Like", que en sus casi 15 minutos de duración muestra el esplendor de los músicos de la banda.

La portada original del álbum mostraba a una joven con el torso desnudo y un avión en las manos. Como era de esperarse, la fotografía fue censurada en las subsecuentes ediciones del disco.


Pero dejémonos de datos. Mejor abramos las puertas del delirio y ¡que suene Blind Faith!

Sticky fingers - Rolling Stones

¿Por dónde empiezas a escuchar a una banda que tiene más de 50 años tocando? Por lo más grande, por aquello que representa su sonido más puro, más maduro, más profundo.

Para el personal gusto del que aquí escribe este es el mejor disco de "sus satánicas majestades" por al menos las siguientes razones:

1) La mítica portada de la abultada entrepierna masculina es de Andy Warhol.
2) La presencia de Mick Taylor en la guitarra. Un ex-miembro de los "Bluesbrakers" de John Mayall (agrupación donde también participó Eric Clapton) en los Stones no es cosa menor.
3) Brown sugar, la primera rola del disco y hit histórico de la banda.
4) Wild horses, la mejor balada de la historia de los Stones.
5) Can´t you hear me knocking, un famosísimo riff de Richards mas 4 minutos de improvisación con solos de sax y guitarra conforman la mejor rola de los Rolling Stones.
6) La participación de Ry Cooder, sí, ese que en los 90´s se hizo famoso por darle forma al Buena Vista Social Club.

Pero dejémonos de datos, mejor abramos las puertas del delirio y ¡que suenen los Rolling Stones!

Don´t believe the truth - Oasis

Antes de que los polémicos hermanos Gallagher terminaran con la banda y con la familia, Oasis le regaló a sus pacientes fans su "Don´t believe the truth"  en 2005. Y no tienen empacho en mostrar sus orígenes y pasiones: suenan a ese britpop-mersey fino y energético que los caracterizó durante la década de los noventas y confirman su vena británica y su bien conocida pasión por The Beatles.

Sí, si en los 90´s utilizaron "Wonderwall", título del proyecto solista sesentero de George Harrison, como muestra de legítima descendencia del cuarteto, en este album buscan ese linaje Beatle a través de la adhesión de Zak Starkey, hijo del poco ortodoxo baterista pero enormemente carismático Ringo Star. Y por si eso fuera poco, Liam nos deja ver que su aguda y rasposa voz no es mera casualidad, sino que hace referencia al Lennon de la etapa psicodélica de The Beatles en Love like a bomb o a los inicios de su carrera solista en Guess god thinks I´m Abel.

Mención aparte merece el track no. 9: Keep the dream alive, que constituye, sin duda, la pieza mejor lograda del album: "I´m no stranger in this place/where real life and dreams collide/and even though I fall from grace/I will keep the dream alive"

Y es que los hermanos Gallagher soñaron con ser grandes, con llevar orgullosamente en su música a sus inigualables antepasados, con salir en las portadas de las grandes revistas y tocar en los grandes escenarios. Oasis ya conoce el éxito y la fama, ahí donde el mundo real y la fantasía se confunden. Un lugar que no les es extraño.

Abramos las puertas del delirio y ¡que suene Oasis!

Mariposas amarillas - Oscar Chavez

Los cien años de Macondo sueñan, 
sueñan en el aire 
Y en los años de Gabriel trompetas, 
trompetas lo anuncian 

Encadenado a Macondo sueña con José Arcadio 
Y ante él la vida pasa haciendo 
remolinos de recuerdo 

Las tristezas de Aureliano 
La belleza de Remedios (violines) 
Las pasiones de Amaranta (guitarras) 
El embrujo de Melquíades (oboes) 
Úrsula (cien años) dónde estás (Macondo) 
Úrsula (cien años) dónde estás (Macondo) 

Eres epopeya de pueblo olvidado 
Forjado en cien años de amores e historias 
Eres epopeya de pueblo olvidado 
Forjado en cien años de amores e historias 
Te imagino y vuelvo a vivir 
En mi memoria quemada al sol 

Mariposas amarillas, Mauricio Babilonia 
Mariposas amarillas que vuelan liberadas 
Mariposas amarillas, Mauricio Babilonia 
Mariposas amarillas que vuelan liberadas 

Las tristezas de Aureliano 
La belleza de Remedios (violines) 
Las pasiones de Amaranta (guitarras) 
El embrujo de Melquíades (oboes) 

Úrsula (cien años) dónde estás (Macondo) 
Úrsula (cien años) dónde estás (Macondo) 

Eres epopeya de pueblo olvidado 
Forjado en cien años de amores e historias 
Eres epopeya de pueblo olvidado 
Forjado en cien años de amores e historias 

Te imagino y vuelvo a vivir 
En mi memoria quemada al sol 

Mariposas amarillas, Mauricio Babilonia 
Mariposas amarillas que vuelan liberadas 
Mariposas amarillas, Mauricio Babilonia 
Mariposas amarillas que vuelan liberadas

It was 50 years ago today

Agustín llegaba por la tarde a la casa. Estuviera Nacho o no, saludaba a mi abuela y se sentaba a escuchar el disco. Su figura sin garbo y sus demasiados cabellos le asemejaban a esas míticas figuras de cera frente a la tumba. El estruendo de su risa (sin aparente motivo) y la música de fondo llenaban la habitación.

Mira, estos son los viejos Beatles que asisten a su funeral, me decía. Y estos son los nuevos, llenos de colores, de imaginación, de irreverencia. ¿Sabías que Hitler iba a aparecer en la portada? ¿Y Tin tan? bueno, hasta Jesucristo iba a estar ahí.

Es la primera funda de un LP que se abre como si fuera una revista, continuaba, y mira: Paul está de espaldas, lo que significa que está muerto.

Escucha, escucha...me decía mientras el disco de vinyl rojo giraba en el tocadiscos. Giraba y giraba hasta llegar a la parte donde una cinta al revés y unos extraños sonidos que sólo pueden escuchar los perros se quedaban sonando hasta el infinito...

Mañana lo escuchamos de nuevo y luego ponemos el Abbey Road, ¿sale y vale?

Agustín regresó todas las tardes durante un año entero. Después desapareció.

Joe´s Garage - Frank Zappa

El Escrutinador central está a la caza de quienes gustan de la música. Escucharla es un delito porque libera conciencias, porque conecta sentimientos, porque cuando se genera la magia, no importa si eres blanco o negro, te guste el rock o el pop, el mundo se hace uno.

El Escrutinador central ha prohibido la música, hay que salvarla ahora. Sólo queda un resquicio para la salvación: el garage de Joe.

Abramos las puertas del delirio y ¡que suene Frank Zappa!


 

Devoción al miocardio

Siempre he sentido una extraña atracción por aquellas canciones cuyas letras resultan novedosas, extrañas, absurdas o morbosas. Claro que con el tiempo corren el riesgo de convertirse en lugares comunes, pero mientras son el centro de la censura resultan fascinantes. Pero contrario a mi percepción de lo novedoso, son las canciones con letras más melosas y comunes las que dominan las listas de popularidad.

¿Por que grupos como Maroon 5 o Coldplay son tan exitosos? ¿Cómo es que sus pegajosas letras como: "In darkness she is all I see/ come and rest your bones with me/that may be all I need/driving slow on Sunday morning and I never want to leave" no pasan de moda?

O ¿Como es que la pegajosísima "Yellow" de Coldplay irrumpió el escenario de la música pop en Inglaterra y en el mundo en aquel lejano año 2000 y hoy es parte del subconsciente colectivo? "Look at the stars, look how they shine for you..."

¿En que consiste su éxito y su permanencia? ¿En la simpleza de sus letras? ¿En la necesidad de los seres humanos de recordarse con frecuencia sus sentimientos? ¿En que todos nos sentimos solos?

No. La realidad es que son exitosas porque en este mundo, desde hace miles de años, existen muchas personas que se enamoran como loquitas cuando alguien les habla de estrellas; pero de estrellas, estrellas; de esas que los enamorados prometen a su Dulcinea, a cambio de la devoción exclusiva de su miocardio.

Ten - Pearl Jam

Daron Oshay "Mookie" Blaylock jugó basketball por 13 temporadas en la NBA. Tenía un record de robos de balón que lo hacían comparable con el Magic Jonhson. Más allá de sus logros deportivos, el destino le otorgó la celebridad gracias a que un grupo de desaliñados jóvenes de Seattle tocaban música de guitarrazos bajo su nombre y llamaron a su primer disco con el número que portaba en los dorsales.

Eddie Vedder, Stone Gossard, Mike McCready, Jeff Ament y Dave Krusen lanzaron en 1991 el que junto con el Nevermind de Nirvana, es considerado el disco primigenio de la música Grunge.

Rocanrol compacto y poderoso, riffs de guitarra y tamborazos al más puro estilo de la vieja escuela y la melancólica y envolvente voz de Eddie Vedder hacen del Ten un ícono de los 90's.

No digamos más. Mejor abramos las puertas del delirio y ¡que suene Pearl Jam!

Fish out of water - Chris Squire

Chris Squire no tocaba el bajo con los dedos. Lo hacía con una plumilla, tal como los guitarritas hacen con su instrumento. Acaso por eso lo sui -generis de su sonido, acaso por eso la diferencia con los muchos bajistas de las muchas bandas de rock.

En 1975, tan sólo tres años después de que Yes lanzara su Close to the edge y a nada de haber presentado Relayer, el espigado bajista presenta su primer trabajo como solista: Fish out of water donde además de demostrar su depurada técnica con las 4 cuerdas, demuestra que es un gran cantante.

El disco fusiona las tendencias de la época y además de que incorpora a grandes músicos como Patrick Moraz, Bill Bruford, Mel Collins y Andrew Jackman, incorpora a lo largo de toda la obra arreglos de orquesta y figuras de contrapuntos y cánones.

Pero basta de palabras y como dice mi buen amigo Alonso Arreola: abramos las puertas del delirio y que suene Chris Squire . ¡Que lo disfrutes!

Close to the edge - Yes

No sé si por la muerte de Chris Squire o por que en las efemérides literarias de este mes está Hermann Hesse. Sea cual sea la razón vino a mi mente este gran álbum de 1972, donde la banda inglesa ya contaba con la alineación que la convertiría en una fuera de serie ( Bill Bruford, Rick Wakeman, Jon Anderson, Chris Squire y Steve Howe). Para entonces ya habìan editado 4 discos, pero Close to the edge consagró a la banda. 


Son, propiamente dicho, 3 partes: Close to the edge, And you and I y Siberian Khatru y tiene todo que ver con el capítulo llamado A la orilla del río del emblemático Siddartha de Hermann Hesse.
Este disco ha sido analizado y reseñado hasta la saciedad, lo que pueda añadirse es poco, así es que mejor tómense 40 minutos de su vida para escucharlo de un jalón y disfrutar de uno de los mejores discos de rock progresivo que ha conocido la humanidad. Abramos pues las puertas del delirio y que suene Yes...¡Que lo disfruten!

Dynamo - Soda Stereo

El sexto disco de la banda argentina más importante de los últimos 20 años del siglo XX muestra un claro cambio: sus ruidos, ahora con pasajes casi hipnóticos, navegan por la música electrónica y el shoegazing predominante en el ahora lejano 1992, año en que se lanzó por primera vez.

En palabras de Cerati "Dynamo es a Soda Stereo lo que Revolver a Los Beatles", mucho más cerca de la psicodelia y lo alternativo y dejando en el pasado el pop, sin duda fino, pero que comulgaba más con los fines comerciales de las tiendas de discos.

En retrospectiva, queda claro que Dynamo es el gen del sonido que nos presentaría Cerati en sus trabajos solistas más destacados: Amor amarillo (1993) y Bocanada (1999).

De este trabajo se desprendieron hits como Primavera 0 y Luna Roja, aunque Claroscuro, Fue y Texturas son títulos que destacan en la casi una hora de maravillosa música de Soda Stereo. Aquí te dejanos el álbum completo. ¡Que lo disfrutes!
 

Clapton es dios

Después de que los Yardbirds le vendieron su alma al diablo en 1965 al aceptar grabar la célebre y comercial "For your love", Eric Clapton tomó un camino, digamos, secular: se unió a John Mayall en los BluesBreakers. De aquellos días data el famoso graffitti en el metro Londinense "Clapton is God".

El mensaje se hizo popular e inundó los muros de aquella ciudad. Clapton se había convertido en un prodigio y su slow hand en una leyenda. Desde entonces es conocido como el mejor guitarrista blanco de blues y es respetado por bluseros, rocanroleros, propios y extraños. Hoy la peculiar pinta es una sentencia, a la vez blasfema e incontrovertible: Clapton es dios.

Aquí una grabación completa de Clapton, Mayall y los Bluesbreakers:

Los Muppets tocando jazz

The Electric Mayhem, comandada por Dr. teeth (teclados, piano y vocales), es la banda anfitriona del legendario Show de los Muppets. Floyd Pepper (bajo y vocales), Zoot (saxofón) , Janice (guitarra) y el inigualable Animal (batería) completan la alineación de esta sin igual  banda que desde la década de los 70's hace las delicias de chicos y grandes. 

Aquí Zoot y Rwolf tocando jazz. ¡Feliz día del niño! ¡Feliz día del jazz!

Kind of blue - Miles Davis

El álbum que marcó un cambio de era en el Jazz, "Kind of blue", es uno de los trabajos fundamentales de Miles Davis. Quizá, la obra de jazz por antonomasia, y probablemente el mejor disco de la historia de éste género. El título Kind of Blue ("Una especie de tristeza"), evoca el encuentro que tuvo el trompetista años antes con una viejita de Arkansas que cantaba gospel y su castigada voz. Según Davis, la experiencia de aquella mujer y de la mayoría de gente negra de su país era una experiencia de Kind of Blue... seguir leyendo

Así que abramos las puertas del delirio y ¡que suene Miles Davis!

Slalom. Música con sustancia

"Donde quiera que estemos lo que más oímos es ruido. Cuando lo ignoramos nos molesta. Cuando lo escuchamos nos parece fascinante"  John Cage

De ninguna manera soy músico. No soy crítico musical tampoco, no me pagan por eso. Mi conciencia está limpia y mi reputación no está en juego. Quizás por eso me puedo sentar a escuchar un disco (si, leíste bien, amable lector, un disco, una de esas tortillas de color plata que contiene en sus imperceptibles estrías bits de información que cobran sentido cuando los haces sonar) sin emitir otro juicio que no sea: me gusta o no me gusta.

En el hipotético caso de que pudiéramos alcanzar un gozo estrictamente musical, dejando en el olvido nuestros recuerdos y emociones y atendiéramos a los sonidos, nos daríamos cuenta de que es en ellos, y no en otro lugar donde radica la belleza. Y en realidad poco puedo decir de la estética musical del siglo XX y de la recién iniciada centuria, no soy quién para hacerlo. Lo que sí, es que uno agradece cuando la música tiene sustancia, cuando encierra esa verdad que no puede ser dicha, que sólo puede ser escuchada. Uno agradece a los músicos inteligentes, a sus discursos honestos, a sus producciones independientes.

Ayer un buen amigo me obsequió la primera producción de Slalom slalomtheband.wix.com. Un EP con 6 rolas que he escuchado más de 5 veces desde entonces y que inspiró en mi mente lo que acaban de leer. Gracias a Esteban Blancas por presentarme a la banda. Gracias a la banda por la sustancia, la inteligencia y por los ruidos que, una vez que los escuchas, resultan fascinantes.